Performance en la UN

Manifestación artística en contra del desplazamiento forzado en Colombia
Bogotá, Colombia
Septiembre 27, 2008

Danza de la mantequilla "Melati Suryodarmo"

Melati Suryodarmo: "Exergie - Butter Dance" (2005)

Melati Suryodarmo
"Exergie - Butter Dance"
Performance

"15th International Electronic Art Festival – Video Brasil"
Sao Paulo, Brasil
2005

Usando un vestido negro y apretado con tacones rojos, uryodarmo camina en el espacio pisando los trozos de mantequilla. Comienza a bailar y se cae repetidas veces, luego intenta levantarse pero cae de nuevo.

Cuerpo y video

Por

Brisa Muñoz

Extraído de  http://www.escaner.cl/escaner81/ensayo.html

Muchos pueden ser las explicaciones de una tecnologisación de la mirada, lo cual nos serviría para comprender el contexto que hoy viven las disciplinas artísticas ligadas a las artes escénicas, que han ido integrando estas estrategias a sus producciones. En este caso la danza ha sido una disciplina que fuertemente ha ido experimentando en lo audiovisual en las últimas décadas, integrando la imagen electrónica tanto en la misma escena como en un diálogo que transita y contornea ambas disciplinas. Este texto no pretende mencionar en si lo que es o no el video y la danza o ambas cuestiones juntas, sino más bien ir encontrando ciertas relaciones, problemas u orígenes donde la imagen electrónica y la danza confluyen , siempre y en todo caso, fragmentariamente.

Cámara -Cuerpo

El movimiento emplaza una primera relación entre cámara y cuerpo, que se establece a partir del primer contacto entre un objeto(maquina) y un cuerpo (humano),cuerpo (camarógrafo) y la cámara //versus el cuerpo filmado.

Los movimientos de la cámara no son los mismos que los de cuerpos que bailan, cada uno tiene un ritmo propio porque ambos son cuerpos independientes que entran en diálogo y que finalmente se borran. En el cine, clásico o moderno, la cámara se mueve como un cuerpo, desde los planos y los movimientos, el espectador se introduce en la imagen poco a poco causando un proceso identificación, rompiendo la separación entre espectador-pantalla- relato.

En este sentido me interesa tomar como ejemplo, de manera de interrogar la teoría de que en el cine, la cámara siempre es un cuerpo, la posición práctica-teórica de cámara en el Cine Dogma.

Como es sabido, este cine es fundado en Dinamarca en 1995 principalmente por Thomas Vinterberg y Lars von Trier, los que plantean un manifiesto hacia una nueva producción del cine y establecen el "voto de castidad",reglas que deben cumplirse en las distintas áreas del que hacer cinematográfico.

En este caso me interesa citarlo desde lo que es la cámara como medio, como cuerpo-acción.

La cámara en este cine sufre una trasformación, la particularidad que tiene la cámara digital, permite nuevas maneras de hacer, tanto desde el punto de vista económico como desde sus planteamientos estéticos. La cámara Dogma, es una cámara que evidencia un cuerpo. respira, se tambalea, camina, corre y recoge fragmentos, el medio se vuelve cuerpo y el cuerpo es el medio, la imagen se vuelve carne.fuera de una tecnificación, de un control mecanizado, evidenciando más que el movimiento de la cámara la acción del cuerpo (camarógrafo).

Me es visible el cuerpo sin verlo, el cuerpo está en la acción que produce. la imagen no será más que los movimientos del cuerpo-cámara.

Así, un ejemplo de esta relación cuerpo-movimiento- cámara, llevadas a cabo en el área de la Danza, encontramos a la coreógrafa La Ribot, en Still Distinguished del cual Loret Goumare describirá:

"En los primeros momentos de Still Distinguished hay una coincidencia entre la imagen del cuerpo de La Ribot y su propio cuerpo, ya que es su propio cuerpo el productor de la imagen. Es decir, que la cámara que esta sostenida por el cuerpo de La Ribot, es una parte de su cuerpo. Y la imagen que vemos en la pantalla es el resultado de la acción de ese cuerpo."1

Aquí hay una incorporación de la imagen en el propio cuerpo, el cuerpo danzante es el cuerpo-cámara a la vez, todo esta al mismo nivel, la imagen que se proyecta no es nada más que el producto de la acción del cuerpo, de un cuerpo que produce su propia imagen, donde el espectador no es solo contemplador de una imagen del cuerpo, sino mas bien receptor de su acción, la acción del cuerpo de La Ribot.

Esta relación inseparable del cuerpo-cámara, propone una lectura nunca lineal, siempre fragmentaria, trozos y partes que se producen tras la acción de ese cuerpo que es imposible construir del todo.

Frases sobre el cuerpo

Varios Autores, recopilado en http://performancelogia.blogspot.com/2007/01/frases-sobre-el-cuerpo.html

"Has de tratar al cuerpo, no como quien vive con el, que es necedad, ni como quien vive por el, que es delito, sino como quien no puede vivir sin el"
Francisco de Quevedo


"La Iglesia dice: El cuerpo es una culpa.
La ciencia dice: El cuerpo es una máquina.
La publicidad dice: El cuerpo es un negocio.
soy la fiesta."
Eduardo Galeano

"Que el ejercicio caliente tu cuerpo y no acurrucarte sobre una estufa"
Henry David Thoreau

"Nuestro cuerpo es un instrumento de acción"
Henry Bergson

"La esencia divina nos es revelada en el cuerpo"
Thomas Carlyle

"El que esta despierto y consciente dice: soy todo cuerpo, no hay nada fuera de el."
Friedrich Nietzsche

"El cuerpo es una lira cuya armonía es el espíritu"
Platón

"Solo hay un templo en el mundo, y es el cuerpo humano, cuando nuestra mano toca el cuerpo, realmente toca el cielo"
Novalis

"Un cuerpo bien formado no necesita ser cubierto"
Proverbio portugués

"El cuerpo es, también, creación divina"
San Agustín

"Ocúpate de tu cuerpo con disciplina y fidelidad, el cuerpo es los ojos del alma y si los ojos no ven bien, todo el mundo se verá en tinieblas"
Johann Wolfgan Goethe

"Un cuerpo débil, debilita el espíritu"
Jean-Jacques Rousseau

"La belleza del cuerpo es muchas veces indicio de la hermosura del alma"
Miguel de Cervantes


"No hay espíritu sin cuerpo a menos que sea un fantasma"
Proverbio alemán

"Cuerpos escriben el poema del cuerpo"
Julio Miranda

Performance y Censura en México Virreinal

Performance y Censura en México Virreinal

de Martha Toriz (editora)
En este cuaderno se trata de mostrar el crisol de comportamientos expresivos en la sociedad novohispana, que van desde las artes escénicas hasta las festividades cívicas, cortesanas y populares. Hablar de manifestaciones sociales, necesariamente implica relaciones de poder, así como la política. El común denominador de las expresiones performáricas es su carácter público, y toda acción política está dirigida a la colectividad.

Ver cuaderno

Arte≠Vida: acciones por artistas de las Américas, 1960 - 2000

Curaduría: Deborah Cullen

9 de Diciembre de 2010. 5:00 pm - 14 de Marzo de 2011. 6:30 pm

BOGOTÁ, Museo de Arte del Banco de la República, Piso 2

Arte≠Vida: acciones por artistas de las Américas, 1960-2000 presenta un panorama de acciones performáticas creadas por artistas latinoamericanos en las últimas cuatro décadas del siglo XX, visibles en la exhibición a través de documentos, fotografías, videos, memorias, objetos y otros materiales, que más allá de narrar los contextos sociales, culturales y políticos de sus autores, documentan el desarrollo de una tendencia artística (performance) en el continente.

Tomado de: Museo Banco de la república

Píldoras para la memoria

Escribir un ensayo acerca de un ensayo es un dilema, más aun si se trata de un ensayo de crítica y está elaborado de manera tan concreta y precisa como del premiado texto Del termómetro al barómetro de Andrés Gaitán! Texto que por cierto da algo de envidia por el hecho de tener una perspectiva clara sobre hacia donde se dirige, mientras el presente escrito aun continúa divagando al respecto.

Pero no todo está tan nublado en el panorama de éste intento de ensayo, Andrés Gaitán amablemente desarrolla una serie de aspectos o temas organizados por capítulos generando un abanico de posibilidades, cualquiera de las cuales me podría enganchar para asumir un camino propio.

Michel Delacroix, Lisetta, Ferdinand, Saverio, Edward, 1995

Por ejemplo el problema de memoria, el cual no solo se refiere a las obras de arte con aire anacrónico sino a la falta de memoria de los artistas, público y en general mal de los colombianos. Digamos ante la pregunta:

-y cual fue la última exposición a la que asististe?

respuesta: - fantasmagoría

-y cómo te pareció?

-buena, hay cosas interesantes! Y otras muy chéveres!

-si? Cual te gustó más!

-había una de un muñequito de papel que se levantaba, me gustó su sencillez y su significado poético, pero no me acuerdo como se llamaba el trabajo ni el autor. Me parece que era Delacroix pero no estoy segura.

A veces realmente me preocupa mi problema de memoria, olvido a cuales exposiciones he asistido, el nombre de algunos artistas, la última película que vi y también es triste cuando olvido el título de alguno de los tantos libros que he leído. Y bien es cierto que tengo un problema de memoria pero, ¿por qué entonces si puedo recordar otras obras, otras películas y otros libros? No será que tal vez algunos no me han impactado lo suficiente? No me han llegado al alma por x o y motivo y simplemente los he echado al olvido como algo sin trascendencia.

Cuanta información le queda al público que asiste a las galerías? Cuántos se toman el tiempo para contemplar una fotografía de paisajes igual a tantas otras que ya se han visto? Y cuánto tiempo se toma un artista desde el momento en que llega la primera idea hasta cuándo finalmente expone su trabajo?

J. Campbell, Library

A veces siento que hay una falla en la dinámica general entre exposición y público pero puede ser que vaya entre parte y parte. Comencemos por el público sentenciado a estar siempre poco preparado (aunque no sea así en todos los casos) en realidad no hay una excusa para decir que no entendió porque era una obra conceptual puesto que simplemente es un problema de falta de observación, son contados los que se detienen a observar una fotografía o una pintura aunque sea netamente figurativa, muchas veces observan más preguntándose -¿qué es lo que tanto miran los demás? Mas no sintiendo la imagen en si, ahora es un problema aun mayor cuando se intenta hablar de trabajos con un concepto o de los cuales se necesita leer un texto que abarca del techo al suelo del muro en la galería.

Muchas obras intentan dirigir al público hacia una reflexión social o política, algunos son más literales que otros para no ir muy lejos están aquellos que se alimentan del morbo y la desgracia de terceros encuadrados en un formato 20 x 25 cm o superior. Qué le queda al público de estos trabajos? Acaso no es frecuente escuchar un comentario como: -tenaz!! O –no puedo creer que en esta época aun se vean estas cosas!!; y bueno salen de la exposición y es asunto olvidado, la reflexión sobre la critica situación del país se desvanece así entre otros comentarios un poco más Light como la novela o la anécdota cotidiana.

Vamos con el otro lado: el artista o expositor, quién no se sentiría feliz de exponer su trabajo? Más aun de generar un impacto? El hecho de ser recordado por un desconocido que un día se tomó el tiempo de observar su obra hasta llegarle al alma. ¿No es esta acaso una labor demasiado ardua para un pobre mortal? Y sin embargo algunos cuantos lo han logrado o sino no existirían tantos estudiantes de arte deambulando por ahí, en una sociedad que supuestamente no aprecia y no entiende del tema.

Sensibilizar a un tercero completamente ajeno acerca de lo que rondaba por la mente del artista en un instante determinado y ese tercero sienta vibrar las fibras más intimas de la misma manera que el autor experimentó con su trabajo pareciera ser la tarea de quien pretende exponer. En otras palabras pretender no ser olvidado, pero es esta la responsabilidad del artista?

Ahora tengo la leve sensación que ésta pregunta por ahora ha quedado sin respuesta, los resultados que se ven en una exposición no suelen salir de la nada, llevan procesos de a veces hasta años pero una mala decisión o un problema mal resuelto puede hacerlos invisibles o peor aun condenarlos a muerte por olvido. Entonces quizá al final de todo si sea responsabilidad del artista hacer que los demás no olviden.

Acerca de El otro Orhan

Orhan Pamuk

Siempre me he preguntado que ocurre con esas personas a quienes no les gusta leer, tal vez porque siempre fui llamada ratón de biblioteca y paso las horas, los días y las noches sumergida en historias algunas fantásticas y otras reales, algunas ajenas a mi propia vida y otras que se asemejan demasiado. Sobre estas últimas historias, las que se acercan tanto a nuestra propia vida quisiera hablar, donde ya no anhelamos ser sino que somos; pero quiénes somos en el mundo y en la literatura contemporánea?

Durante estas semanas me puse en la tarea de leer una serie de cuentos sin ningún tipo de relación aparente entre ellos, precisamente buscaba identificarme en alguna historia, con algún protagonista o algún sentimiento en común. Pero para cada persona alguien ya ha escrito una o varias historias:

El conductor nocturno de Italo Calvino nos recuerda ese yo paranoico que cada uno tiene en especial cuando se vive una relación sentimental: será que me ama? Me piensa? Llamará? Es el maquinar a cada instante, imaginar mil versiones de sucesos que pueden ocurrir cuando se produzca el esperado encuentro; es una sensación de constante ansiedad experimentada de nuevo a lo largo de la intriga creada por la lectura que además tiene la particularidad de dejar el mismo sabor de terminar una relación.

Julio Cortazar por otro lado se excusa en la casualidad de las circunstancias para narrar Ciclismo en Grignan una historia con un sabor a sensualidad que haría sonrojar a más de uno por haberse descubierto en circunstancias similares al autor quien en un tono elegante pero que no deja de ser morboso nos narra el por qué siente atracción por una adolescente.

El angustioso amor y el deseo son temas universales, todos en algún momento nos sentimos tocados por ellos y todos tenemos argumentos para mencionarlos pero qué tal hablar de la locura? O de la homosexualidad? A cuántos nos corresponden? Existirá alguien que jamás en la vida haya sentido que está enloqueciendo? Dinos cómo sobrevivir a la locura del autor Kenzaburo Oé narra la historia de un hombre al parecer en un proceso de enloquecer, pero sería prudente preguntarse si es él quien enloquece o es su familia la que lo está enloqueciendo o tal vez sea el lector quien termine por enloquecer ante la densidad y lentitud de la historia.

Hasta aquí llevaba tres historias leídas y aun no encontraba la que esperaba con angustia tocara mis fibras más íntimas pero tenía puestas todas mis expectativas en Al diablo la maldita primavera de Alonso Sánchez Baute, alguna vez leí una reseña de éste libro y por tanto tenia idea sobre su argumento: la historia de un homosexual de provincia llegando a la ciudad y etc, pero al leer el primer párrafo sentí que lo iba a detestar: el lenguaje vulgar, personajes demasiado vacíos y una historia encasillada en el prototipo comercial de homosexualidad. Mis sueños de encontrar una historia para tomar como propia desaparecía, solo en el último instante descubrí que me quedaba un cuento más por leer y aunque comencé a leerlo desmotivada y sin expectativas he aquí que me llevé una gran sorpresa.

En lo personal

He encontrado un pequeño cuento que me hizo mirar hacia atrás, recordar mi infancia y las fantasías de la niñez, encontré que muchas veces tenemos ideales compartidos con otras personas aunque uno se ubique en Estambul en la década de los 50’s y el otro en Bogotá años 80’s al ritmo del glam. Este cuento también puso en evidencia algunas preguntas que ya me había hecho con anterioridad y siendo un poco más trascendental, preguntarme además si “quién yo soy es quien yo quería o quisiese ser”. El nombre de este cuento es El otro Orhan de Orhan Pamuk. Siento que esta historia podría tomarse a la ligera y ser leída de una manera más light o más anecdótica como un cúmulo de hechos cíclicos que pasan y vuelven a pasar en la vida de cada uno: que mi padre no esté en el momento de mi nacimiento, ser más débil y más frágil en comparación a mis hermanos, haber nacido en una época de hechos violentos…al parecer a todos nos ha tocado nacer en tiempos de violencia; cada una de estas anécdotas nos condiciona y nos va moldeando:

“Al igual que esos “recuerdos” de la primera infancia de los que nos hemos apropiado escuchándoselos a los demás hasta que por fin empezamos a pensar que realmente somos nosotros mismos quienes los recordamos obstinándonos en contárselos como tales a cualquiera, lo que opina el resto de la gente sobre todo tipo de cosas que hemos vivido acaba convirtiéndose no solo en lo que pensamos al respecto, sino en un recuerdo más importante aún que la propia experiencia vivida.”

Qué le aporta esta historia al mundo?

En el cuento de Orhan, él tiene la sensación de que existe otro Orhan pero imaginarse quién es ese otro lo puede llevar a plantearse en realidad ciertas inconformidades con su vida propia, acaso eso no nos pasa a todos? Bueno a mi si me ha pasado yo supongo que es un mal contemporáneo que nos aqueja, algunos le echan la culpa a que seamos así por los medios de masas, para mi el autor hace una reflexión un poco más inteligente explorando en las raíces de todo un sistema cultural:

“Todo el que siente curiosidad por darle un significado a la vida se ha preguntado al menos una vez por el sentido del lugar y el momento en que ha nacido. ¿Qué significa que yo haya nacido en tal fecha en tal rincón del mundo? ¿Han sido una elección justa esta familia, este país y esta ciudad que se nos han otorgado como si nos hubieran tocado en la lotería, que esperan que los amemos y a los que por fin conseguimos amar de todo corazón?”

Como nos decían en la clase de filosofía del colegio la eterna pregunta del hombre ha sido quiénes somos, aquí la encontramos planteada de una manera postmoderna, el preguntarse hoy quienes somos implica una respuesta física y material, esta respuesta ahora no se encuentra en la religión o los elementos como dijeran los griegos, está ubicada en un tiempo y en un lugar específicos es una respuesta corpórea y por lo mismo lleva a una preocupación por la apariencia.

El lenguaje en El otro Orhan

Tal vez la mayor característica en el modo de escritura del autor es su simplicidad y claridad al narrar su historia, el lenguaje cotidiano y la narración en primera persona con un tono autobiográfico generan una especie de confianza entre el lector y el autor. Esto claro, tiene sus pros y sus contras: por un lado facilita mucho la lectura y la hace rápida e interesante pero por otro hace que se pase por encima de muchas ideas o sean tomadas de manera superficial, solo con la relectura y ante el hecho específico de tener que escribir sobre el texto encontré muchos detalles que de otra forma pasaría por alto.

Lo que más puedo destacar es la habilidad del autor para enlazar un tema con otro sin que la lectura se haga caótica, el autor nos lleva en un vaivén de temas y circunstancias: de lo personal a lo público, a lo político, de nuevo a lo personal y así sucesivamente, terminamos envueltos no solo en su vida sino en un contexto completo del tiempo y espacio en que suceden los hechos….aunque en realidad no suceden, solo se analizan.

Halcón de Oro Qorihuaman

FOTO: FIDEL MELQUIADES CARVALLO

IVONE BARRIGA | UNIVERSITY OF MINNESOTA

Halcón de Oro Qorihuaman. Dirigida por Ana Correa y escenificada por Rodolfo Rodríguez y Raúl Cisneros. Producida por el Centro de Experimentación Escénica. Casa Cultural Yuyachkani. Lima, Perú. 25 de Agosto del 2010.

La obra unipersonal Halcón de Oro Qorihuaman nació como producto del intercambio artístico entre el veterano actor y mimo cuzqueño Rodolfo Rodríguez y la directora y actriz del grupo Yuyachkani Ana Correa. Re-estrenada en 2010¹ e inspirada en el testimonio de ex-combatientes, la obra explora el cuerpo y la ritualidad como instancias necesarias para recordar y curar las heridas que la violencia política produjo en la sociedad peruana. Prescindiendo de la palabra, Rodríguez encarna a un ex-combatiente que confronta el trauma generado por el conflicto interno entre miembros del Partido Comunista Sendero Luminoso (SL) y el Movimiento Revolucionario Túpac Amaru (MRTA), y fuerzas militares y policiales del estado peruano. Inmerso en un espacio sin claros referentes temporales o geográficos, el protagonista representa uno de los tantos soldados anónimos que enfrentan la muerte real y simbólica para sobrevivir al dolor provocado por la violencia política.

EL SONIDO DE LAS HÉLICES TRANSFORMA EL CATRE EN UN HELICÓPTERO.

FOTO: FIDEL MELQUIADES CARVALLO

La obra se divide en tres grandes partes: en la primera el ex-combatiente evoca, por medio de su relación con el espacio vacío y un catre de metal, estados como la opresión y la angustia producidos por el encierro. En la segunda parte el ex-combatiente se reencuentra con aspectos de su memoria personal y cultural, expresados a través de personajes como el de una madre arquetípica, quien carga a un bebé, baila y realiza delicados movimientos circulares, remitiendo al tiempo cíclico de la cosmovisión andina. Finalmente, y contando con la ayuda de un maestro espiritual (interpretado por Raúl Cisneros), el ex-combatiente se desnuda para participar en un ritual purificador donde expía el trauma y genera un renovado sentido de identidad individual y étnica. De cabeza rapada, cuerpo empolvado de blanco y vistiendo apenas un gastado pantalón militar, el ex-soldado es despojado de casi todo rasgo identitario. Al mismo tiempo, la acción de cargar la estructura de una cama y desplazarse con ésta alrededor del espacio escénico evoca a los desplazados de la violencia, quienes tuvieron que abandonar sus vínculos individuales, familiares y étnicos.

Tomado de http://hemisphericinstitute.org/hemi/es/e-misferica-72/barriga

Arte performance

Galería de imágenes de artistas del mundo realizando performance
DADA - PROVOCACIÓN - FLUXUS - ESPACIO - HAPPENING - TIEMPO - ACCIONISMO - BODY ART - PÚBLICO - CUERPO